Kyo Art Gallery

Rong Guang Rong - Jump

2011-06-24T18:45:00.005+02:00

In occasione di Caffeina Cultura 2011 la Kyo Art Gallery presenta la mostra JUMP del giovane artista cinese Rong Guang Rong (1984 Jilin, China) a cura di Antonella Pisilli.

L’arte contemporanea cinese negli ultimi anni è passata da fenomeno culturale emergente a realtà consolidata e affermata soprattutto come leadership nel mercato dell’arte mondiale.
Facendo un brevissimo excursus storico, l’arte contemporanea cinese faceva il suo ingresso nel panorama internazionale nel 1979 con il gruppo Le Stelle (Xingxing) ) guidato dagli artisti Huang Rui e Ma Desheng animati dal soffio di vento d’Occidente che cominciava a penetrare dalle porte aperte di Deng Xiaoping. Le Stelle esposero per la prima volta in un padiglione del parco Beihai, liberi dai dettami del regime e invitarono tra gli altri Ai Weiwei – (famosissimo artista e architetto oggi tristemente noto per essere stato arrestato dal governo cinese) nonché i celebrati poeti Bei Dao e Mang Ke; la mostra venne chiusa dalle autorità cinesi dopo due giorni, ma fu l’inizio di una grande epoca. Con il tempo la situazione è cambiata, con la prima Biennale di Shanghai nel 1996 e l’apertura della fabbrica 798 a Pechino, gli artisti hanno mostrato al mondo l’arte contemporanea cinese, oggi sono liberi di viaggiare e di esporre le loro opere in tutti i musei e le gallerie del pianeta, anche se la censura e le intromissioni del governo cinese sono sempre alle porte.

La mostra Jump dell’artista cinese Rong Guang Rong presenta opere create in parte a Pechino e istallazioni realizzate nel 2010 in Italia in occasione della nascita del figlio. In questo periodo di “attesa” vivendo in Italia ha visto ed ascoltato molto, e da questa calma fruizione della realtà circostante ha iniziato a realizzare i lavori: “Il Papa sulla strada verso casa” ,“ Salasso”, “The gift of 8._9._2010 bis”, “Blues dream of a dead tree “, opere dal titolo enigmatico, ma affascinanti che rilevano l’essenza dell’artista il quale afferma: “Le mie opere spesso rappresentano un atto istintivo di “riappropriazione” di tempo e materia. Parlando nello specifico delle mie installazioni, irrazionalmente preferisco usare oggetti usati…o meglio smarriti. Credo che la scelta di oggetti “smarriti” sia nata anche da un personale bisogno di non volermi sentire partecipe dello spreco continuo al quale la società contemporanea ci spinge”.

Rong Guang Rong ha cominciato a “sperimentare” nella famosa fabbrica 798 a Pechino dal 2003 e a trasformare i propri pensieri in materia, che sia fotografia, video, piuttosto che installazioni.
Gli oggetti trovati attraverso un sapiente lavoro di rimozione e trasformazione cominciano a raccontare nuove storie. Nelle fotografie e nei video invece è il tempo e lo spazio a fare da protagonista, qui infatti c’è un totale annullamento della durata dell’evento ma nello stesso momento con il rallentamento e la ripetizione del soggetto c’è la continua metafora del divenire, il continuum spazio-temporale che si manifesta con una rappresentazione univoca di passato e futuro, di qui e altrove, l’artista ci ripropone attraverso un linguaggio contemporaneo, rivisitato e rielaborato il ciclo continuo di vita e morte , di femminile e maschile, di giorno e notte di continui opposti che si separano per poi ricongiungersi che nella filosofia cinese è rappresentata dallo Yinyang.

Laura Palmieri - Appunti inutili e altri animali.

2011-05-14T18:33:00.001+02:00

Nato in dialogo con la realizzazione dell’opera permanente Sulle Scale, realizzata presso la Facoltà di Conservazione dei Beni Culturali, Università degli Studi della Tuscia, in cui l’artista ha raccolto una serie di scorci, dettagli, simboli della città, reperti museali che l’hanno ispirata in una galleria di immagini che poi ha scomposto, decontestualizzato dipingendolo sulla parete. Raccogliendo la composizione in gruppi narrativi di tre immagini: un animale, un oggetto, un dettaglio architettonico.
Quasi un taccuino di viaggio in cui l’artista raccoglie con il suo prezioso segno fatto di china blu o nera disegna, da qui il pensiero a Gerald Durrel ed il titolo della mostra, quasi una ricerca etologica, ironica e semiseria che porta l’artista a disegnare cammelli con tre gobbe, stremati ippopotami, maiali impegnati su un campo di gioco.
La mostra raccoglie una serie di disegni a china su carta, un Bestiarum cui Laura Palmieri in questa nuova stagione creativa si sta dedicando, che sembra segnare un allontanamento dal percorso dell’artista, ma che in realtà ha trovato nelle figure o “pre-figure” una dimensione quasi onirica e simbolica. La scelta dell’allontanamento dall’uso a lei consueto di immagini fotografiche nata da una problematica di tipo ambientale, causata dalle scorie di quel processo creativo, l’ha condotta al ritorno alla pittura. I disegni presenti in mostra legano il percorso di Palmieri partito da questo Bestiarium a una serie i disegni di “oggetti e cose viterbesi”, raccolti durante i suoi giri per la città.

Almighty God - Il Divin Saggio

2011-04-25T22:45:00.000+02:00

Può ben d'umane cose ingegno umano
talor deliberar senza periglio.
Trattar cause divine ardisce invano
senz'aiuto divin saggio consiglio.
Come dunque poss'io rozzo e villano
nonché le labbra aprir, volgere il ciglio,
dove l'istessa ancor somma scienza
non seppe in ciel pronunziar sentenza?

(dall’Adone di Giovanbattista Marino)

La Kyo Art Gallery presenta la personale dell’artista ghaniano, Almighty God (Anthony Kwame Akoto). Il nome d’arte che significa “Dio Onnipotente” sovradimensiona la figura di un artista che è anche un predicatore cristiano e uno sciamano guaritore.

Famoso in patria come pittore di strada, Almighty God realizza le sue opere su tavole di legno reperito da materiali di scarto. Il suo studio è contaminato da un’aura di misticismo religioso, decine di opere accatastate ed esposte sul ciglio della strada (in una zona trafficata e polverosa di Kumasi) raccontano storie e tradizioni locali disponibili per una clientela africana borghese attenta alla propria cultura e alla propria tradizione ashanti.
La saggezza è l’elemento fondante delle sue opere, le cornici sono invase da proverbi africani, le sue personalissime leggi divine danno allo spettatore una dimensione estetica e morale diretta ed efficace, un monito alla dissolutezza dell’uomo moderno alle prese con le tentazioni della contemporaneità. Dio è buono, ma è severo nei giudizi, l’uomo è alla stessa stregua degli animali quando non segue i precetti della fede cristiana e del buonsenso.
La sua arte attraversa al tempo stesso il realismo, il naif e il surrealismo ed ha il compito di educare il suo popolo, affascinandolo con i contenuti e la bellezza delle sue opere.

Anche il mondo Occidentale lo riconosce come uno degli artisti contemporanei africani più interessanti e famosi del mondo ed è presente in numerosi musei, gallerie e collezioni private in Europa e Stati Uniti.

'Università degli Studi della Tuscia - Nadro

2011-04-12T22:08:00.003+02:00

Il 18 Aprile presento il film NADRO sull'artista della Costa D'Avorio Frédéric Bruly Bouabré all'Università degli Studi della Tuscia nell'ambito delle lezioni di Storia dell'arte dei Paesi Europei II, in aula 4 dalle ore 11:00.

Frédéric Bruly Bouabré - Colui che non dimentica

2010-10-09T12:07:00.001+02:00

La Kyo Art Gallery in occasione della 6° Giornata del Contemporaneo presenta le opere dell’artista ivoriano Frédéric Bruly Bouabré.
Ma chi è Bouabré? Scrittore, artista, narratore, filosofo, saggio, mistico, inventore, ricercatore, pacifista, insegnante, poeta, comunicatore, profeta, studioso, ricercatore, visionario, osservatore, documentarista e archivista del mondo che lo circonda. Nato l’11 marzo del 1921 a Zépréguhé, in Costa D’Avorio, in un giorno del 1948 riceve una rivelazione celeste e comincia a creare dei “pictogrammes” che nei suoi 449 simboli vanno a costituire un nuovo alfabeto: il Bété.
Nel 1970, Bouabré comincia a realizzare migliaia di “cartes postales” sui quali disegna con la penna a sfera e pastelli colorati ed intorno ai quale corre un testo. Ed è la scrittura “un rimedio che combatte l’oblio” che Bouabrè utilizza per raccontarci una storia, un’impressione, per riportarci attraverso la rivelazione dei segni, la conoscenza universale. Completamente inscritto nella sua storia africana, nella tribù Bété è cittadino del mondo in virtù della sua curiosità, dell'insolenza dei suoi scritti, e dell’anticonformismo della sua formazione, Frédéric Bruly Bouabré è un saggio che incarna tutto ciò che ora è in via di estinzione.

“Frédéric Bruly Bouabré osserva tutto ciò che è sulla superficie delle cose e ci dà una lettura di quello che vede sulla pelle delle cose. Nella sua opera, al di fuori dell’alfabeto che lui chiama “Conoscenza del mondo”, la maggior parte dei suoi disegni, penso in particolare alla lettura dei segni divini, sulla cola, sull’arancia, sui frutti in generale, per lui è una scrittura divina, non fa altro che osservarla, rivelarla e trasmetterla, qualche volta questi segni sono direttamente leggibili e lui li interpreta, li commenta. Quando invece sono indecifrabili ce li rende così, precisando dunque che sono segni divini e che l’uomo talvolta è piccola cosa per pretendere di avere una lettura intelligibile dei messaggi divini”( André Magnin).

In occasione della mostra verrà proiettato il film “Nadro” (1998) della regista Ivana Massetti, la quale ci conduce in Costa d'Avorio, ripercorrendo con un affascinante stile visivo, alcune tappe della vita di Bouabré.
Ivana Massetti del suo film dice: “Il film cattura tutto ciò che non esisterà più nel prossimo millennio. Tutto questo non lo rivedremo mai più. Nel prossimo futuro, questa figura entrerà a far parte di un’iconografia che sarà studiata sui CD ROM e comunicata su Internet, l'immagine virtuale di una realtà virtuale. Nel film, l'uomo e l'artista coesistono. Nel film, il suo volto è lì - la sua espressione ostinata, il suo sguardo, la sua voce. Una presenza reale, non un eco. E’ la gioia, il calore e la bellezza di un incontro. Il nostro incontro. Il compimento di un viaggio. Un viaggio di iniziazione, in cui lo sguardo del discepolo magnifica il maestro. Storie possibile solo tra esseri umani”.

Super G-Milk - Massimo De Giovanni

2010-06-29T16:53:00.002+02:00

In occasione di Caffeina Cultura 2010 Antonella Pisilli in collaborazione con la Kyo Art Gallery presenta l’installazione Super G-Milk di Massimo De Giovanni.

Il lavoro artistico di Massimo De Giovanni si sviluppa da anni nella rielaborazione e riuso di oggetti trovati, l’artista utilizza cose, utensili, arnesi, prodotti vari e li rimaneggia, riedita, rinnova, ricostruisce, nella sua inesauribile immaginazione ogni oggetto, può trasformarsi in opera d’arte.

In Super G-Milk un semplice cartone di latte da un litro ingigantito a dismisura, appare in tutto e per tutto identico a quello che ogni mattina milioni di americani ritrovano sulle loro tavole, sullo sfondo bianco la scritta blu con la parola MISSING, usanza tipicamente americana di stampare sulla busta del latte la foto di una persona scomparsa, soprattutto di bambini. Questa volta la foto non è quella di un bimbo, ma è la raffigurazione, ripresa da Raffaello Sanzio, di un personaggio anziano con la barba lunga, sotto alla figura la scritta: “Not found . God could no be fetched from the server”. Nel l’altro lato del cartone una lunga lista rievoca i fatti di guerra e le sue vittime.

La guerra è l’immagine cruciale della soppressione programmata e ordinata, del fare per sopprimere, di una collettività che si definisce dei consumi. Super G-Milk nella sua apparente tranquilla semplicità, diventa elemento di denuncia di una società che distrugge ciò che ha creato, come un cibo che si mangia, e il latte primo nutrimento dei neonati che evoca la famiglia, la pace, la tranquillità diventa con Super G-Milk da semplice oggetto di uso comune a monumento rievocativo del male più terribile del mondo, la guerra.
“Dio è morto” annunciava Nietzsche e “Dio è scomparso” annuncia De Giovanni, l’umanità sta cercando di ritrovare Dio e lui sparisce in un mondo dominato da guerre.

Nel tempo del sogno Mostra d’arte contemporanea aborigena

2010-06-29T16:25:00.002+02:00

In occasione di Caffeina Cultura 2010 la Kyo Art Gallery presenta la mostra d’arte contemporanea aborigena australiana “Nel tempo del sogno”, dove saranno esposte alcune opere dei maggiori esponenti dell’arte aborigena contemporanea australiana.
Secondo alcuni studi geologici su pitture rupestri e rilevazioni al carbonio -14, si fa risalire la presenza degli aborigeni sul territorio australiano a oltre 40.000 anni, la più antica cultura vivente al mondo cominciò nel tempo del sogno (dreamtime) dando luogo alla creazione della terra e alla vita su di essa. Forme ibride e mutanti cominciarono ad emergere dalla terra, animali, umani e vegetali subirono metamorfosi fino a raggiungere le attuali forme viventi attraverso un’evoluzione che ricorda formalmente da vicino le teorie darwiniane.

La cultura aborigena non avendo alcuna forma di scrittura viene tramandata attraverso l’oralità e la pittura, i sogni grandi ispiratori dell’arte aborigena raccontano di antichi miti, riti e simboli sacri che permangono nell’inconscio collettivo degli aborigeni, i luoghi sacri possono essere semplici rocce o luoghi desertici dove si racconta che gli spiriti di antenati illuminati si trasformarono in roccia o cespuglio. La terra è un elemento divino dove vi è una mitizzazione di tutto ciò che ha a che fare con essa, riti di iniziazioni, cerimonie, musica e canti sacri costituiscono la mitologia sostanziale che rimanda al tempo del sogno.
La pittura aborigena contemporanea, ad un primo colpo d'occhio, appare come la semplice ripetizione geometrica di elementi uguali, in realtà essa nasconde un vero e proprio testo che ha una sua grammatica caratteristica: (pozzi d'acqua, piste del sogno, aree puntiformi…). Nelle diverse espressioni dei diversi movimenti pittorici aborigeni contemporanei rappresenta uno dei modi di mantenere saldi i legami con l'identità tradizionale.
I dipinti possono essere interpretati iconograficamente, come mappe o testi, oppure senza preclusioni, come il prodotto di un movimento pittorico contemporaneo. Attraverso la pittura gli artisti hanno traslitterato i luoghi, la loro cosmogonia con una creatività straordinariamente viva ed ancora più sicura di sé, pienamente consapevole dei propri mezzi espressivi.
Tradizionalmente tramandata da oltre 40.000 anni attraverso la dot art (arte dei puntini) la pittura aborigena è straordinariamente pioniera dell’arte contemporanea, oggi le tele di Emily Kame Knwarreye o di Gloria Petyarre sono classificate come opere d'arte contemporanea, e non più solo come narrazioni cerimoniali. La trasposizione figurata su tela del sogno genera una concezione espressionista astratta di grande interesse artistico e culturale.

Raoul Bretzel - designer

2010-04-29T16:17:00.001+02:00

Raoul Bretzel è convinto che l'esigenza di un'etica ecologica non è quasi mai rispettata dalla produzione seriale e questo spinge il designer a sviluppare progetti industrialmente impraticabili ed a "prototipare" i propri oggetti. Attualmente sta sviluppando la sua ricerca sulle possibilità del legno poiché questo materiale, attraverso le sue imperfezioni e il suo andamento irregolare risveglia una sopita esigenza di comunione con il mondo naturale. Raoul Bretzel ha creato la sua officina WooDo a Pitigliano, espone i suoi progetti in Italia e all'estero, pubblica su riviste nazionali e internazionali e una sua lampada è nella collezione di design del Museum Of Modern Art (MOMA) di New York dal 1995.

Vitarte - Evento collaterale L'Africa nei loro occhi

2010-03-10T22:29:00.003+01:00

Vitarte propone tra gli eventi collaterali, l’esposizione d’arte contemporanea africana “L’Africa nei loro occhi” che presenta, undici artisti per sei paesi dell’area subsahariana: Cheri Cherin, Pierre Bodo, Amani Bodo, Jean Paul Nsimba Mika (Repubblica democratica del Congo); George Lilanga da Nyama (Tanzania); Almighty God (Ghana); Bruce Onobrakpeya, Prince Twins Seven Seven, (Nigeria); Kivuthi Mbuno (Kenya); Ester Mahlangu e Churchill Madikida (Sud Africa). Un’attenta selezione curatoriale di dipinti, sculture e video porteranno il grande pubblico, che affollerà gli spazi del Ex Convento dei Carmelitani Scalzi per la settima edizione di Vitarte, in un’atmosfera tipicamente “africana”. L’Associazione Culturale Kyo presenterà la propria collezione d’arte contemporanea africana, che verrà integrata per l’occasione da altre opere prestate da artisti, collezionisti, gallerie europee e africane.

L'Africa nei loro occhi

2010-03-10T22:14:00.000+01:00

L’AFRICA NEI LORO OCCHI
di Antonella Pisilli

Quando si parla di arte africana si tende generalmente ad uniformarla in un unicum modo di fare arte disattendendo la vastità e diversità di stili e tecniche artistiche specifiche per ogni Paese, la mostra “L’Africa nei loro occhi” illustra universi culturali africani visti ed elaborati dal vissuto dell’artista africano alle prese con la contemporaneità e la globalizzazione. Il Ghana, la Repubblica Democratica del Congo e gli altri Stati africani coinvolti nel progetto animano un confronto interculturale mantenendo radici comuni e condividendo gli stessi problemi che li affliggono.
L'arte contemporanea africana entra nella scena internazionale con la mostra Magiciens de la Terre un'esposizione organizzata al Centre Georges Pompidou di Parigi nel 1989 e curata da Jean-Hubert Martin. La mostra portava per la prima volta alla ribalta l'arte contemporanea africana, equiparata per fascino ed importanza agli altri quattro continenti coinvolti nel progetto. Da questa sferzata d'energia si sviluppa un vero e proprio dibattito culturale sull'arte africana, stimolando una ricerca sulla conoscenza di artisti contemporanei residenti in Africa, un’identità ed un'autonomia di pensiero che arricchisce profondamente la scena artistica internazionale.
L’escalation di successi ha portato questa realtà artistica ad essere conosciuta ed ammirata nei più prestigiosi spazi museali e spazi espositivi del mondo tra cui la Tate Gallery di Londra, il Centre Pompidou di Parigi, il Guggenheim di Bilbao, la Biennale di Venezia e Documenta di Kassel.
Il genius loci del puro artista africano attraversa il continente in modo trasversale, la scelta ricade scrupolosamente sugli artisti che non hanno avuto contaminazioni occidentali e che guardano il loro paese con l’autenticità dell’occhio africano puro.
La vastità del continente nero abbraccia diverse culture, tradizioni e linguaggi artistici diversi tra loro, un confronto interculturale che delinea un’unica identità artistica attenta alla società ed ai bisogni delle popolazioni martoriate da fame guerre e carestie.
Nonostante i grandi successi internazionali e l’acquisizione di fama e ricchezza artisti come Cheri Cherin, Pierre Bodo, Almighty God, Bruce Onobrakpeya, hanno preferito rimanere a vivere nella loro terra dimostrando un profondo attaccamento alle proprie radici culturali e identitarie.

“L’Africa nei loro occhi” è un’esposizione d’arte africana subsahariana che presenta, undici artisti per sei paesi: Cheri Cherin, Pierre Bodo, Amani Bodo ,Jean Paul Mika Nsimba (Repubblica democratica del Congo); George Lilanga (Tanzania); Almighty God (Ghana); Bruce Onobrakpeya, Prince Twins Seven Seven, (Nigeria); Kivuthi Mbuno (Kenia); Ester Mahlangu , Churchill Songezile Madikida (Sud Africa), un’accurata selezione curatoriale di dipinti, sculture e video che porteranno il grande pubblico in un’atmosfera tipicamente “africana”.

The World Needs Us – Il mondo ha bisogno di noi.

2010-02-24T21:56:00.002+01:00

Dopo il grande successo al Centro Luigi di Sarro a Roma “The World Needs Us - Il mondo ha bisogno di noi” si trasferisce a Viterbo alla Kyo Art Gallery.

La mostra in collaborazione con la Erdmann Contemporary&PhotographersGalleryZa di Cape Town e l’Ambasciata del Sudafrica a Roma presenta: Karlien de Villiers (pittura e grafica), Nomusa Makhubu (fotografia), Collen Maswanganyi (scultura), Norman O'Flynn (pittura e installazione) quattro artisti sudafricani emergenti, che vivono e lavorano tra Grahamstown, Cape Town e Johannesburg, sono giovani, emergenti, ma già riconosciuti talenti. La loro arte interpreta una varietà di temi tra cui l'identità, il potere, la corruzione, la storia, il colonialismo e le intolleranze stereotipate tipiche del Sud Africa.

Dice la Erdmann: "Voglio presentare le attuali tendenze dell'arte sudafricana. E voglio mostrare al contempo la varietà dei mezzi espressivi utilizzati, fotografia, scultura, pittura e installazioni artistiche. Spero così di offrire al pubblico italiano una ricca percezione di quanto sia vitale l'attuale produzione artistica nel nostro paese. L'individualità di ciascuno di questi artisti e' molto evidente nei loro lavori, ma nel complesso, presentati in una esposizione collettiva, il loro lavoro dà conto in maniera ampia della realtà sudafricana”.
Il titolo della mostra nasce dalla considerazione che il mondo ha bisogno dell'arte e in generale degli artisti.

Noto per le sue ironiche pitture di grandi dimensioni e sculture, Norman O’Flynn ama interessarsi della condizione umana. Il linguaggio visuale che lo contraddistingue si rintraccia nelle tele riempite con gli eroi dei fumetti, i semi-dei e i pois tipici delle mucche. Il lavoro di Nomusa Makhubu mette insieme le istanze di ciò che la circonda tra identità e storia. Usa infatti la sua stessa immagine nella maggior parte delle sue opere fotografiche.
Karlien de Villiers lavora esplorando le acque torbide del subconscio, ma non cerca spiegazioni né interpretazioni alle visioni create da sogni ed incubi. I lavori di Collen Maswanganyi sono sculture in legno intagliate a mano e dipinte. Nei contenuti il suo lavoro rivela stereotipi ed idiosincrasie tipiche del Sudafrica.

La testa tra le nuvole - Paolo Angelosanto

2009-12-12T21:23:00.003+01:00

Lo sguardo perso nel vuoto del personaggio di Paolo Angelosanto nel video Welcome è quello del mangiatore di nuvole. Nella omonima fiaba di Angi Máté, un vecchio forno, abbandonato dai clienti che comprano ormai il pane al supermercato, solo e annoiato, in un giorno nuvoloso comincia a risucchiare nel suo camino piccole nuvole dal cielo, le cuoce e sforna delle pagnottenuvola così profumate da attirare tutta la città. I clienti del forno non appena mangiano il pan di nuvola cominciano a sollevarsi e a volare. Angelosanto trasforma i fiocchi di zucchero filato in pensieri immedesimandosi nel cielo che sta guardando disteso su un prato, probabilmente il prato dei Giardini della Biennale di Venezia. La performance Welcome venne eseguita infatti all’ingresso dei Giardini nel 2001 in occasione della 49ª Biennale seguendo un procedimento che Angelosanto mise a punto nei primi anni Novanta. Il travestimento muove un alter ego dell’artista in una dimensione parallela alla realtà.
Il marinaio di Welcome è solo uno dei tanti personaggi di Angelosanto, personaggi che mischiano le tracce di una esistenza reale a una messa in scena tragicomica. I gesti del personaggio sono lenti, scanditi nel rituale della visione, una scena in cui lo squallore del kitsch viene esaltato al fine di catturare la compassione del pubblico. Ogni gesto nelle performance di Paolo Angelosanto mima delle condizioni generiche dell’esistenza che, una volta isolate dal rumore quotidiano, diventano punti limite dopo i quali l’identità del personaggio viene assimilata dal pubblico. Pian piano l’artista trasforma la sua performance in un atto sacrificale, accogliendo su di sé le psicosi collettive e mettendole in scena le esorcizza. Il marinaio naviga nel mondo contemporaneo in balia delle onde della comunicazione sino ad abbandonarsi alla contemplazione trasognata del cielo, un cielo fatto dai nostri sguardi. Tra video e realtà coesiste un terreno comune dove 45 il pubblico fa propria l’immagine trasfigurandosi nel mangiatore di nuvole. La leggerezza che
ci sospende sopra la figura sdraiata del marinaio e in un certo senso è quella che fa volare i cittadini nella favola della Máté, la magia del pan di nuvole.
È chiaro che sia il pane della fiaba, sia lo zucchero filato, sono una metafora della fantasia di Paolo Angelosanto.

fonte: Marcello Carriero, La testa tra le nuvole,Davide Ghaleb Editore, 2009

Federico Del Vecchio - Ambientarti

2009-11-30T11:04:00.002+01:00

La seconda Tappa 2009 di AmbientArti, è caratterizzata dalla scelta di utilizzare la video arte come strumento di indagine sul rapporto tra uomo e natura e sulle complesse implicazioni con le problematiche di di eco-sostenibilità.
Il percorso espositivo si articola nel bellissimo quartiere medievale di San Pellegrino, nel centro storico di Viterbo (Kyo Art Gallery, Palazzo degli Alessandri, Studio Fontaine) e presso Domus La Quercia.
L'evento sarà documentato nel libro/catalogo AmbientArti 2008/2009, un volume di 120 pp. a cura di Cristina Antonini e Davide Sarchioni, edito e distribuito da Gangemi Editore Roma.

Alla Kyo Art Gallery Ambientarti presenta Federico Del Vecchio (Napoli, 1977) uno di quei giovani e interessanti artisti italiani che si interrogano in maniera piu’ o meno esplicita sui rapporti tra uomo, natura e tecnologia. Un elemento costante del suo lavoro è quello di riuscire a coinvolgere soggetti naturali e tecnologici insieme, il crossover tra arte e scienza come discipline storicamente già collegate l'una all'altra. In molte delle sue opere, infatti, la contaminazione del paesaggio da parte della tecnologia appare quasi normale e sembra addirittura naturale.

“Nel video Untitled, una passeggiata evocativa in un bosco ad alto fusto si chiude con l’immagine di un’alta torretta di avvistamento vuota, un luogo costruito dall’uomo per l’uomo, che s’impone nello spazio come un imperativo categorico kantiano e suggerisce una situazione di ubiquità, dove il controllato e’ anche controllore di se stesso. What are you looking for? .. (Francesco Marmorini).

Federico Del Vecchio (Naples, 1977) is one of those young and interesting Italian artists who are asking in a more or less explicit on the relationship between man, nature and technology. A constant feature of his work is to be able to involve natural and technological subjects together, the crossover between art and science as disciplines have historically related to one another. In many of his works, in fact, the contamination of the landscape of the technology seems almost normal and it even seems natural.

“In the video Untitled, an evocative walk in a forest with tall trunks closes with the image of a tall lookout tower empty, a place built by humans for humans, which imposes itself in space as a categorical imperative Kant and suggests a state of ubiquity, where control is also controller itself. What are you looking for? .. “
(Francesco Marmorini).

Focus on Evironment

2009-11-25T10:58:00.000+01:00

Si apre mercoledì 25 novembre a Viterbo il Settimo Forum Internazionale dell’Informazione per la Salvaguardia della Natura, Il clima che cambia: fatti, storie e persone promosso dall’Associazione Greenaccord. Oltre 120 giornalisti provenienti da 53 nazioni del mondo si riuniscono per riflettere sull'urgenza di misure e azioni da adottare per far fronte ai cambiamenti climatici. Contestualmente verrà presentata la seconda Tappa 2009 di AmbientArti, un progetto speciale intitolato Focus on Environment. Evento d'Arte per l'Educazione Ambientale, giunto alla sua terza edizione.
Focus on Environment è un circuito d'arte contemporanea creato come parte integrante del Forum per promuovere il dialogo tra gli operatori della comunicazione e gli artisti invitati, scelti sul territorio nazionale, dando luogo ad un dibattito parallelo intavolato attraverso i linguaggi delle arti visive.
Per l’occasione, è stato invitato a partecipare all’evento anche EcoArt Project, considerato uno dei più innovativi progetti internazionali di comunicazione e sensibilizzazione sulle tematiche ambientali di clima, energia, foreste, inquinamento, riciclo ed eco-sostenibilità. L’ambizione di EcoArt è di stimolare la nascita di una nuova corrente artistica, la green art, documentarla e porsi come osservatorio internazionale. Uno dei primi risultati di EcoArt Project è GAIA - Green Art International Archive, archivio online per l’arte contemporanea e la creatività ispirate da tematiche di sviluppo eco-sostenibile.
Il circuito Focus on Environment è stato concepito per offrire una panoramica di alcune fra le più interessanti giovani proposte artistiche che, utilizzando diversi linguaggi, operano dedicandosi prevalentemente ai temi ambientali. L’arte oltrepassa agevolmente i labili confini della scienza, addentrandosi nei territori della filosofia come dell'antropologia, e sollecita riflessioni che oscillano fra l’utopia e la presa di coscienza, fino ad arrivare ad operazioni di coinvolgimento sociale e di denuncia.
Questa seconda Tappa 2009 di AmbientArti, è caratterizzata dalla scelta di utilizzare la video arte come strumento di indagine sul rapporto tra uomo e natura e sulle complesse implicazioni con le problematiche di di eco-sostenibilità. Focus on Environment è una nuova proposta artistica e culturale per la città di Viterbo, organizzata nell’ambito del progetto AmbientArti nato nel 2007, con lo scopo di proseguire il dibattito sulle emergenze ambientali attraverso l'arte contemporanea.
Il percorso espositivo si articola nel bellissimo quartiere medievale di San Pellegrino, nel centro storico di Viterbo (Kyo Art Gallery, Palazzo degli Alessandri, Studio Fontaine) e presso Domus La Quercia.
L'evento sarà documentato nel libro/catalogo AmbientArti 2008/2009, un volume di 120 pp. a cura di Cristina Antonini e Davide Sarchioni, edito e distribuito da Gangemi Editore Roma.

Aerial - Virginia Ryan

2009-10-27T22:06:00.002+01:00

Domenica 4 novembre la Kyo Art Gallery presenta la mostra personale di Virginia Ryan a cura di Antonella Pisilli.
La mostra dal titolo AERIAL prende il nome dai recenti lavori realizzati in Italia nel 2009 'in risposta' alle opere Topographies of the Dark realizzate riciclando le scarpe raccolte sulle spiagge di Accra negli anni precedenti. Una piccola personale che crea un ponte fra i due mondi da lei abitati.

Come l'acqua che bagna la spiaggia dell'Atlantico nero e se ne va, queste scarpe una volta indossate, incorporano storie di movimento e passaggi, incroci vicini e lontani, ed evocano un mondo globalizzato dove correnti che si incrociano portano detriti, oggetti usati e abbandonati, da un mondo all'altro. Achille Bonito Oliva nel catalogo Multiple entries a proposito delle opere Topographies of the Dark dice: “Centinaia di ciabatte arenate sulle coste dell’Africa occidentale convivono nel falso abbandono di un’opera che è una vera e propria ‘topografia del buio’ dominata cromaticamente dal nero. Tutto sembra frutto di una catastrofe ecologica, una risacca che ci ha restituito povere ciabatte provenienti da un mare oleoso”.
Oltre alle due grandi carte della serie Aerial completeranno la mostra tre piccole ‘sculpture painting’ della serie Topographies of the Dark e due vasi uno bianco e uno nero ispirati alla dea dell'Atlantico, MAMI WATA, prodotti in collaborazione con la ceramica Sberna di Deruta nel 2008.
Le opere saranno accompagnate da un’istallazione sonora che prende il nome dal titolo della serie Topographies of the Dark, un'esplorazione musicale in dialogo con le opere visive, che parla similmente di storie di incroci musicali che connettono Africa, Europa e America nei ‘diasporic grooves’ dell'improvvisazione jazz. I brani registrati a Santa Fe nel New Mexico in occasione della prima visita negli USA dell'Accra Trane Station.

Medicino - Fayaz Jafri e David Barratt

2009-10-03T21:52:00.003+02:00

Sabato 3 ottobre la Kyo Art Gallery presenta MEDICINO a cura di Antonella Pisilli, un progetto multimediale creato dal compositore musicale David Barratt e l’artista visivo Faiyaz Jafri, insieme hanno realizzato un audio scultura e una grande videoproiezione.
La struttura dell’audio scultura è composta da oltre 300 registrazioni vocali a cappella emesse da fonti sonore multiple e abbinate a nomi di droghe psicotrope; queste compongono una colonna sonora simultanea alla videoproiezione, creando una sinfonia musicale di infinite combinazioni sonore.
L'elemento visivo è costituito da diverse animazioni raffiguranti i membri di un nucleo familiare in scala variabile, in relazione l'uno all'altro nel corso del tempo. Il ritmo e la resa luminosa in bianco e nero delle animazioni in combinazione con la scultura audio, genera una nuova realtà per i sensi ricreando gli effetti psicotropi dei farmaci.
La giustapposizione casuale dei vari elementi crea una nuova struttura audiovisiva, che è determinata in relazione alla posizione assunta dallo spettatore in un determinato momento.
Non ci saranno mai due spettatori che osservando Medicino avranno la stessa esperienza sensoriale.

Qual è l'idea guida del lavoro?
L'obiettivo di farmaci psicotropi è quello di dare al paziente una vita più soddisfacente, pacifica e completa. Noi ci aspettiamo che questo progetto multisensoriale avrà gli stessi esiti sul pubblico, come con un qualsiasi farmaco, ci sarà la possibilità di avere effetti collaterali , positivi o negativi, in base alla personalità ed allo stato d’animo dello spettatore.

Medicino aderisce alla Giornata del Contemporaneo, il 3 ottobre un grande evento annuale creato da AMACI e creato per unire in una giornata, tutte le realtà italiane che operano nel settore dell’arte contemporanea e per offrire al pubblico l’opportunità di avvicinarsi gratuitamente alle numerose istituzioni, grandi e piccole, che ogni anno aderiscono all’evento.

Chi è David Barratt?
Nato a Londra, trasferitosi a New York, la sua audio scultura Karito è stata installata presso l'Assemblea generale delle Nazioni Unite a New York nel mese di ottobre 2008.
Come produttore musicale e autore, Barratt ha collezionato diversi dischi d'oro e di platino, ha lavorato tra gli altri con Robert Plant e David Bowie. Attualmente è co-creatore con Roger Greenwalt di The Beatles Complete On Ukulele. Le opere visive di Barratt sono state esposte a Londra, New York, Singapore e Bangkok.
Chi è Faiyaz Jafri?
Faiyaz Jafri è un artista di New York di origini pakistane nato e cresciuto nelle zone rurali dei Paesi Bassi. L’arte di Jafri esplora gli archetipi junghiani del mondo moderno. Inoltre egli cerca neo-archetipi nei mezzi di comunicazione di massa e nella cultura popolare a livello mondiale.
Il suo lavoro, viene creato con sofisticati software di ingegneria visiva,
attraverso la freddezza delle immagini cattura l’essenza più oscura dell’umanità.
Il suo lavoro è stato esposto in forma di video installazioni, animazioni e sculture a grandezza naturale a:New York, Berlino, Taipei, Songzhuang, Hong Kong, Amsterdam e Torino.

Tanzania VS Congo

2009-09-02T11:58:00.001+02:00

Mercoledì 2 settembre la Kyo Art Gallery presenta la mostra d’arte contemporanea africana Tanzania VS Congo a cura di Massimiliano del Ninno con George Lilanga, Maurus Mikael Malikita, M. Charinda, M.sagula, (Tanzania) Cheri Cherin, Cheick Ledy, Jean Paul Mika (Congo).

Quando si parla di arte africana si tende generalmente ad uniformarla in un unicum modo di fare arte disattendendo la vastità e diversità di stili e tecniche artistiche specifiche per ogni Paese, la mostra Tanzania VS Congo non vuole essere pertanto uno scontro, ma al contrario un confronto interculturale tra due stati dell’Africa subsahariana.

L’arte contemporanea africana entra nella scena internazionale con la mostra Magiciens de la Terre un'esposizione organizzata al Centre Georges Pompidou di Parigi nel 1989 e curata da Jean-Hubert Martin. La mostra portava per la prima volta alla ribalta l’arte contemporanea africana, equiparata per fascino ed importanza agli altri quattro continenti coinvolti nel progetto. Da questa sferzata d’energia si sviluppa un vero e proprio dibattito culturale sull’arte africana, stimolando una ricerca sulla conoscenza di artisti contemporanei residenti in Africa, un‘identità ed un’autonomia di pensiero che arricchisce profondamente la scena artistica internazionale.

Gli artisti di Tanzania VS Congo rappresentano nella loro specificità e singolarità il loro Paese, hanno lasciato da parte le tendenze estetiche occidentali che imperversano nelle accademie africane, già dall’epoca del colonialismo, ed hanno elaborato un modello personale proprio e libero.
Per la Tanzania il caposcuola è Edward Saidi Tingatinga che ha inventato un genere spontaneo molto colorato utilizzato per illustrare la flora e la fauna locale e che sarà ripreso con caratteristiche autonome da Maurus Mikael Malikita e da Charinda.
Senza dubbio però è George Lilanga l’artista che ha avuto più successo a livello internazionale e che rielaborando la tradizione Makonde e apprendendo le tecniche del disegno della scuola tingatinga ha creato uno stile unico. Delle sculture tradizionali makonde riprende il senso dell’umorismo e della caricatura, espressione di un immaginario mitico, di un mondo martoriato, abitato da spiriti buoni e cattivi, sono gli Shetani figure ironicamente malvagie che si mischiano con gli abitanti del villaggio interagendo con la loro quotidianità .

Nel versante opposto troviamo un linguaggio artistico del tutto diverso, il Congo devastato da guerre e lotte di potere intestine viene sapientemente illustrato da uno dei padri fondatori della Scuola di pittura popolare congolese, Cheri Cherin che insieme a Cheri Samba, Bodo, Moke e Cheïk Ledy comunicano con il loro stile figurativo molto colorato i drammi sociali e politici che affliggono il loro paese non trascurando la situazione politica internazionale.
Tra gli artisti presenti in questa mostra c’è Jean Paul Mika per la prima volta in Italia, dopo una trionfale mostra a Bilbao, allievo di Cheri Cherin e legittimo erede della scuola popolare di Kinshasa, con un montaggio iconico molto suggestivo, affronta il tema del cambiamento suggerito dalla politica internazionale di Barak Obama.

Matteo Nazzari - Black&White

2009-07-05T17:45:00.002+02:00

Venerdì 3 luglio 2009 la Kyo Art Gallery presenta la personale del fotografo Matteo Nazzari dal titolo Black & White. Nei lavori di Nazzari sono sempre presenti tre elementi: la sensualità, l'atmosfera, l'ironia, a volte se ne vede uno, altre volte due ed in alcuni fortunati casi tutte e tre. Prende ispirazione da grandi fotografi: dal surrealismo erotico e malizioso è unico di Guy Bourdin, all’originale sensuale eleganza di Helmut Newton.

Le fotografie scelte non hanno unità tematica solo il colore o meglio l’assenza di questo le accomuna, ma è proprio nella eterogeneità dei soggetti, nella messa in scena dell’inquadratura a volte casuale a volte impostata che il lavoro di Matteo Nazzari si muove, la ricerca di un’atmosfera che diventa parte narrante di una storia, “un frame estrapolato da un film”, un frammento di realtà che attraverso la nostra immaginazione realizza una nuova esistenza, una nuova storia frammentaria, disarticolata, incompleta, ma evocativa. La fotografia diventa anch'essa storia e come tale impressionabile, suscettibile di trasmutarsi e corrompersi. Nazzari non vuole rappresentare, non vuole esprimere, non vuole comunicare fatti stupefacenti o eccezionali, ma vuole semplicemente fermare attimi di vita straordinariamente vari.

Fotografo freelance ama lavorare sia per temi leggeri (ha terminato da un paio si mesi il progetto dal titolo “H rooms” scatti fatti all'interno di stanze di più di 70 Hotel in Italia ed in Europa) che per tematiche sociali forti, attualmente sta lavorando insieme al fotografo Federico Ciamei per un interessante progetto dove i protagonisti sono persone affette da disturbi psichici, riprese nella loro quotidianità.

My sweet dolls

2009-04-17T12:29:00.003+02:00

Sabato 4 aprile la Kyo Art Gallery inaugura la mostra MY SWEET DOLLS presentando la personale dell’artista Angelo Barile con la sua ultima produzione realizzata appositamente in occasione di questo evento e l’installazione “Dov’è Noè” della designer e artigiana tedesca Jutta Taute.

La dolcezza dell’universo infantile, un riferimento ai giochi dei bambini. Le dolls di Angelo Barile sono bambine sveglie, impertinenti e alla moda.
Si presentano allo spettatore con i loro giochi e i loro sorrisi, con un taglio prospettico tipico dello stile compositivo di Barile: un effetto di zoom che coglie i dettagli del viso in primissimo piano, le espressioni nei minimi particolari e solo un piccolo accenno al resto del corpo. L’utilizzo della pittura ad olio e il mix di colori sapientemente scelti che vanno dal fluo alle tinte pastello producono con un effetto che molto si avvicina al pop, e contribuiscono ad incantare e far sorridere lo spettatore. Queste piccole donne che stringono i loro giocattoli e le bambole sono il soggetto principale delle opere di Angelo Barile che ormai da dieci anni indaga l’elemento provocatorio nascosto nell’infanzia: sberleffi, risatine e sorrisi ammiccanti e una figura distorta che a volte contamina e calpesta l’animale stilizzato da poco introdotto nei nuovi lavori.

Se Barile provoca, la designer tedesca Jutta Taute affronta la tematica della mostra utilizzando un linguaggio completamente diverso e sceglie di stupirci puntando ai sentimenti e alla tenerezza grazie all’ installazione site specific dal titolo “Dov’è Noè”.
Se guardiamo bene per terra ritroveremo gli stessi giochi e animaletti stilizzati, i cosiddetti “teneri” realizzati a mano in morbida lana merino. Occupano lo spazio formando una spirale, un ombrello è il loro rifugio. Vanno difesi, protetti e salvati, sarà lo spettatore a scegliere il loro destino.

TESTO CRITICO DI ANTONELLA PISILLI
Cattive, eppure bambine. Sguardi crudi, sorrisi lascivi e dispettosi con le loro facce sfrontate rivolte in su, ti guardano dal basso, ti sfidano, nei loro giochi che da dolci diventano crudeli. Sono le bambine di Angelo Barile che come un’idea fissa da diversi anni sono il suo marchio d’artista o meglio un logo, una filosofia. Riprendendo tout court il tema delle "Bad girl", bambine con la smania addosso di crescere, di essere femmine, insomma di essere cattive ragazze.
Con irriverenza e sfrontatezza calpestano le tracce di simbologie proprie del nostro immaginario, ma anche sagome di corpi esanimi di pupazzi rimossi. La tecnica di Barile è fumettistica, e le tracce pop rimangono impresse sulla tela con riferimenti, anche se non espliciti e dichiarati, a Keith Haring, lo sfondo monocromo, il tratto profondo e deciso, il cuore, la stella, il cane, sono icone pop al quale l’artista inconsapevolmente fa riferimento.

1VT 3M Endemia - Vitarte

2009-03-10T16:46:00.003+01:00

Maurus Mikael Malikita - Mama Africa

2009-02-27T17:08:00.003+01:00

Sabato 21 febbraio la Kyo Art Gallery presenta la personale di Maurus Mikael Malikita dal titolo Mama Africa

Maurus Mikael Malikita di etnia Makonde nasce in Tanzania nel 1967 e si forma nella tradizione pittorica Tingatinga, genere spontaneo molto colorato utilizzato per illustrare la flora e la fauna locale.

La rivoluzione iconica operata da Malikita offre una pittura più attenta alla comunicazione popolare. Il quadro-souvenir della giraffa cartoon cede il passo alla pittura della City Life la dimensione urbana popolare dell’affollata e caotica capitale Dar es Salaam prende il sopravvento e descrive il movimento umano che si attiva nei mercati nei dressing room e negli ospedali.

La serie Hospital presente in galleria mostra una serie di personaggi con facce buffe e occhi sgranati intenti a compiere varie azioni di vita ospedaliera, testi in lingua swahili si inframmezzano alle immagini per una scelta compositiva del quadro sequenziale come in un sorta di fumetto.

La capacità di sperimentazione espressiva di Malikita compie un nuovo ulteriore sviluppo con la Serie Erotica, simboli e miti africani vengono raffigurati da provocanti figure femminili schiacciate e compresse in un limitato spazio bidimensionale, la musica, la stregoneria e la madre Africa sono sapientemente rappresentati in pop style come archetipi della memoria collettiva africana.

La figura femminile non rispetta i canoni di proporzione, ma è incastonata nella sagoma del continente africano, i colori e lo sfondo del quadro sono accesi e vivaci e riprendono, le famose stoffe africane, i kanga.

La pittura densa, piatta, priva di sfumature, ma ricca di particolari, dove i colori violenti e decisi sono il mezzo che sotto l’azione sicura del pennello diventa immagine.

L’arte africana con Malikita assume la sua più autentica e piena creatività, rielabora la tradizione vecchia e nuova per rivelare attraverso il reale e l’immaginario lo stato puro del proprio Paese.

Yvonne Ekman - Bocca

2008-12-02T14:50:00.003+01:00

La Kyo Art Gallery lunedì 8 dicembre inaugura la personale di Yvonne Ekman artista europea, nata in Svizzera, cresciuta in Inghilterra, con passaporto svedese e cittadinanza italiana. Grazie alla sua molteplice identità culturale riesce a realizzare progetti ardui rendendoli al tempo stesso di facile e generale interpretazione. Le ceramiche della Ekman hanno la capacità di evocare il vissuto dell’uomo nelle sue composite rappresentazioni, mani, libri, animali, pupazzi o semplici archetipi diventano oggetti familiari, estetizzati da forme e colori naturali, ma al tempo stesso sofisticate.

La parola d’ordine di questa mostra è BOCCA un’allegria quasi infantile che ispira questi lavori di Yvonne Ekman, bocche che fumano, che mangiano, che si cibano, che amano, bocche più somiglianti ai giochi ludici ed infantili, ma che intrigano e movimentano il pensiero degli adulti. Il materiale in ceramica utilizzato per la loro fattura li fa comunque sembrare soffici e sofisticate, ma soprattutto molto in pratica come appena uscite da una Marilyn di Warhol.
La bocca è una parte anatomica del corpo che ha ispirato molti artisti, designer e musicisti, ricordiamo la bocca divano di Salvator Dalì ispirata alle labbra sensuali di Mae West e alla riedizione del divano omaggio di Gufran del 1971 al grande artista surrealista. Alle labbra dipinte nel 1965 da Pino Pascali, alla celebre copertina dei Rolling Stone con bocca spalancata e la lingua sfacciatamente di fuori.

La bocca è sensualità è nutrimento, la bocca è parola è musica, la bocca è bacio come cantava Catullo alla sua Lesbia nella famosa lirica “[…] Dammi mille baci e quindi cento, mille baci continui e quindi cento e quando saranno mille e mille nasconderemo il loro vero numero, perché non sappia l’invidioso di un numero di baci così alto”.

Antonella Tolve - Oggetti Soggetti

2008-11-11T11:29:00.003+01:00

Sabato 15 novembre la Kyo Art Gallery presenta la personale dell’artista e graphic designer Antonella Tolve dal titolo Oggetti-Soggetti.

Le due serie di produzioni digitali realizzate appositamente per l’evento, gli Oggetti e i Soggetti sono strettamente correlate tra loro. Ci sono i 'soggetti' che sono delle parodie dell'uomo contemporaneo, il protagonista della società industrializzata e consumistica che parla attraverso slogan, marche, firme e griffe, per 'apparire' piuttosto che 'essere', che fa come fanno tutti, è come robotizzato e spersonalizzato al punto da diventare oggetto nelle mani del sistema.

Mentre dall'altra parte ci sono 'oggetti' privi di logo che attraverso una veste anonima vogliono riaffermare la propria identità di prodotto, di contenuto piuttosto che di contenitore, di merce piuttosto che di marchio. Oggetti che vogliono ridiventare soggetti.

Il cambiamento di connotazione che assume l’oggetto quando diventa lo status symbol del quale non possiamo più fare a meno, diventando soggetto, è pari a quello delle persone, i soggetti catturati dal sistema e dal messaggio pubblicitario, che arrivano a parlare con “griffe” e frasi fatte diventando a loro volta oggetti.

Lo stile attraverso il quale l’artista si esprime, è un contemporaneo simbolismo sintetico che richiama la segnaletica stradale, abbinato a segni semplici, vettoriali, e linee di contorno nere che se da una parte ricordano il disegno del fumetto e fanno pensare a un certo Minimalismo dall’altra racchiudono colori forti ma piatti tipici dell’arte POP.

La parodia, l’imitazione comica è la chiave di lettura del suo lavoro, un tentativo di rappresentazione ironica della nostra società. Questi elementi prendono forma grazie alla computer art e sono la base del PITPOP -contrazione dei termini pittogramma e pop- che identifica il progetto artistico di Antonella Tolve.

Antonella Tolve nasce nel 1975 a Lucera in provincia di Foggia dove vive e lavora. Terminato il Liceo Classico frequenta l’Accademia di Belle Arti di Foggia. Inizia poi a lavorare in campo pubblicitario come graphic designer collaborando con diversi studi di comunicazione locali. Nel 2001 fonda Genius, il proprio studio di graphic e visual design. Parallelamente porta avanti il suo progetto artistico di computer art PITPOP realizzando due collezioni di disegni grafici: la prima del 2006 “Everyday life”, l’altra del 2007 “Brani erotici”.

“BETA Spaces”: New York,

2008-11-05T12:55:00.006+01:00

Monticelli & Pagone | Ilaria Loquenzi | Tupac Digital Social Pop

partecipano ad Art in Bushwick

Arts in Bushwick is pleased to present the Bushwick Exhibition Triangle of Alternative Spaces (BETA Spaces), a free one-day festival of independently curated group exhibitions. BETA Spaces offers curators an opportunity to present interdisciplinary exhibitions in alternative venues—apartments, studios and street corners—as well as galleries. By encouraging artists to collaborate across media, disciplines and environments, BETA Spaces provides artists with an opportunity to develop and showcase conceptual group exhibitions that provide new and innovative contexts for their work. After successfully premiering last December as "Bushwick Open Spaces," the festival has been renamed to distinguish between this event and the summer's Bushwick Open Studios.

The festival will take place within an approximately 10-block triangle south of Johnson/Cypress Street, east of Bushwick Avenue, and west of Starr Street. The compact geographic focus means that visitors will be able to access almost thirty venues and hundreds of artists in a single day. The event will highlight a thriving but often invisible artistic nexus, transforming this area into a vibrant site of creative expression.

In addition to the exhibitions, Arts in Bushwick will host a discussion forum at Bushwick IMPACT, exploring issues of sustainbility, gentrification, displacement and change among diverse Bushwick residents, stakeholders, and organizations, and a Slam poetry event at Lumenhouse, presented in conjunction with louderARTS. BETA Spaces will conclude with an afterparty at Wreck Room from 7-11pm, where everyone can enjoy live performances, a slide show of pictures recapping the day, and drink specials.

Programs for BETA Spaces containing a map and complete listing of exhibits and events will be available two weeks prior to the festival. For further information on BETA Spaces, please visit www.artsinbushwick.org.

http://artsinbushwick.org/events/betaspaces-08/betaspaces08-profile/?registrantId=229

http://artsinbushwick.org/events/betaspaces-08/betaspaces08-profile/?registrantId=231

Antiquaria 2008 - Eventi culturali correlati

2008-10-22T14:59:00.004+02:00

In occasione della XXVIII edizione la Mostra mercato nazionale dell'Antiquariato di Viterbo, Antiquaria - L’Isola del Tesoro che si terrà dal 25 al 2 novembre 2008, la Kyo Art Gallery presente nella programmazione della manifestazione prorogherà per l’occasione la mostra di Daniele Capecchi e osserverà i seguenti orari:

venerdì, sabato e domenica 12 – 20

lunedì – martedì – mercoledì e giovedì 16,30 – 20

Giornata del Contemporaneo

2008-10-04T10:36:00.004+02:00

Permanenza Temporanea aderisce alla Giornata del Contemporaneo, il 4 ottobre un grande evento annuale creato da AMACI e creato per unire in una giornata, tutte le realtà italiane che operano nel settore dell’arte contemporanea e per offrire al pubblico l’opportunità di avvicinarsi gratuitamente alle numerose istituzioni, grandi e piccole, che ogni anno aderiscono all’evento.

Daniele Capecchi | Permanenza Temporanea

2008-09-18T22:01:00.003+02:00

Sabato 20 settembre la Kyo Art Gallery presenta la personale di Daniele Capecchi dal titolo Permanenza Temporanea.

CPT è il non-luogo per eccellenza dove il permanere è un tempo di attesa sospeso, impalpabile, incerto. La Kyo Art Gallery diventerà per questa mostra un CPT (Centro di Permanenza Temporanea) ed ospiterà volti d’immigrati, dipinti con l’intensità e il tratto sicuro del pennello di Daniele Capecchi. Segni veloci, intensi definiscono una vita, una storia ancora tutta da scrivere. Nei volti degli immigrati c’è disperazione, solitudine, discriminazione, paura. In quei visi si legge la drammaticità di vite spezzate, di un futuro interrotto, di una speranza negata, ma al tempo stesso l’orgoglio e la dignità di un essere umano.

La pittura di Capecchi è una pittura che lui stesso definisce “drammatica”, ma quello che lui rappresenta è il dramma dell’uomo e il melodramma della vita che solo il volto con i suoi tratti decisi, le sue rughe, le sue espressioni, non riesce a nascondere.

Ossessionato dal ritratto che realizza con zoomate intense dove i difetti, le rugosità della pelle e la tristezza non hanno scampo.

Ilaria Loquenzi - RIcordi Romani

2008-08-26T22:55:00.001+02:00

La Kyo Art Gallery in collaborazione con l’ AC.Danae_Arte_Contemporanea di Carbognano presenta la personale di Ilaria Loquenzi dal titolo RICORDI ROMANI.

La serie fotografica di Ricordi romani nasce su commissione del PARC per l’immagine-logo del Padiglione italiano del Festival di Architettura di Londra Sustainab.Italy - Contemporary ecologies. Energies for Italian Architecture , evento nato come una ricerca intorno ai progetti portati avanti dalle nuove generazioni di architetti italiani, dove il patrimonio culturale, architettonico e il territorio sono considerate risorse primarie ed essenziali da tutelare.

Roma, città natale dell’artista, è diventata la scenografia perfetta per un tema così complesso quale la sostenibilità, il recupero del patrimonio architettonico e l’inserimento nel paesaggio. La composizione dell’immagine nasce da una sorta di mini istallazione che condensa e rappresenta una serie di pensieri, emozioni e riflessioni. Un bicchiere da cocktail contiene al suo interno cubetti di ghiaccio-souvenir con i simboli di Roma, il Colosseo, il Vaticano, ma anche elementi architettonici e naturali. La cannuccia rossa o la fetta d’arancia dona alla piccola architettura il colore, ma anche la leggerezza e la spensieratezza che ogni visitatore riporta dalle vacanze romane.

Per la mostra alla Kyo Ilaria Loquenzi realizzerà come lei stessa l’ha definito, un“intervento di marketing artistico on site specific giocato sulla memoria” realizzerà per l’occasione una serie limitata di bottiglie di Chin8neri con etichetta d’artista e ricreerà con una finta pubblicità radiofonica i suoni e l’atmosfera degli anni ’50 e l’ottimismo del boom economico.

1 VT 3 M Endemia

2008-08-21T15:11:00.008+02:00

TITOLO:1VT 3 M ENDEMIA
3 LUOGHI 3 MOSTRE :ILARIA LOQUENZI | RICORDI ROMANI
Kyo Art Gallery | Via San Pellegrino 55 – 01100 Viterbo
VALERIA GIORDANO | ATTESE
Studio Fontaine | Via Cardinal la Fontaine 98/a – 01100 Viterbo
MADDALENA MAURI | DITTICO
Giovanna Scappucci – Arte contemporanea
Via dell’Orologio Vecchio, 34 – 01100 Viterbo
Inaugurazione: SABATO 30 AGOSTO 2008 ORE 18.00 NELLE 3 SEDI

L’arte contemporanea non è come molti profani pensano, incomprensibili azioni di artisti stravaganti, ma è la rappresentazione estetica del nostro tempo. Non è facile capire un grande da un pessimo artista, ma solo la conoscenza, lo studio e la frequentazione di mostre di qualità, porteranno il neofita ad amare e comprendere l’espressione artistica della propria epoca.

Tre gallerie di Viterbo hanno immesso nella città un morbo il 3VT 1M e con la speranza che l’arte contemporanea diventi contagiosa e come un'epidemia contamini la città e i suoi abitanti, sabato 30 agosto alle ore 18,00 a Viterbo la Kyo Art Gallery, lo Studio Fontaine e Giovanna Scappucci-Arte Contemporanea inaugurano in simultanea ENDEMIA. È solo un inizio, per il momento solo tre zone sono state toccate e con grande passione per l’arte, ogni galleria con la propria identità esporrà le opere di tre artiste Ilaria Loquenzi alla Kyo Art Gallery, Valeria Giordano allo Studio Fontaine e Maddalena Mauri da Giovanna Scappucci – Arte contemporanea.

Per raggiungere i tre spazi espositivi basta seguire il filo rosa che unirà idealmente i tre punti della città, ma anche utilizzando la mappa che troverete sul flyer che è stato stampato per l’occasione.

Lasciatevi contagiare il 3VT 1M non ha effetti collaterali dannosi alla salute!

Monticelli & Pagone - RORSCHACH MG 000

2008-06-14T23:59:00.004+02:00

RORSCHACH MG 000 INTERVISTA

La Kyo Art Gallery domenica 15 giugno inaugura la personale del duo artistico Monticelli&Pagone.

La mostra dal titolo RORSCHACH MG 000 rievoca le famose macchie utilizzate dagli psicologi per cercare di esaminare le caratteristiche di personalità ed emotività dei loro pazienti.

Monticelli & Pagone allo stesso modo attraverso la doppia immagine, una semireale e la sua trasposizione in macchie, cercano di esaminare la reazione del pubblico, ponendo la domanda “Che cosa è?” o “ Che cosa vedi?” ed è nella risposta data che l’opera si compie.

“Nella serie Rorschach MG 000 - scrive Antonella Pisilli curatrice della mostra - i soggetti uomini e donne sono in posa come statue antiche che hanno perso la loro classicità, sono poste in posizioni naturali, disinibite, spontanee.

Le figure sono in un equilibrio instabile, la deformazione dei volti, i frammenti con tracce di contemporaneo, i tacchi a spillo rosse ci riportano all’ambiguità del nostro tempo. Da una parte l’esaltazione del corpo, dall’altra la distruzione del pensiero, l’abbrutimento delle menti.

Il non-finito o meglio la distruzione del volto, si contrappone alle parti del corpo abbellite e decorate da icone della vita moderna che sono come una corteccia terrena da cui le figure non si sono ancora completamente liberate. E’ nella parte opposta dell’immagine nella sua doppiezza irriverente e trasformata, nel suo deformato aspetto, che va cercato il significato.

Il doppio quadro, il bianco e il nero, l’immagine e la sua macchia, diventano il punto di arrivo di un processo formativo degli artisti, anche loro doppi, anche loro tormentati dall’ambiguità del loro sentire, dal contrasto tra serietà ed ironia che pervade ed accompagna tutto il loro lavoro.

Si inserisce in Rorschach MG 000 l’equilibrio estetico, il significato e la forma non si dissociano, ma al contrario si collegano o ancor meglio coesistono in una stessa condizione estetica e semasiologica.”

Monticelli & Pagone (Alessandro Monticelli (1975) e Claudio Pagone (1976)).
Dal 1999 si uniscono artisticamente con la sigla M&P. Vivono e lavorano tra Sulmona e Roma.

Fiore d'opera

2008-04-30T21:36:00.000+02:00

L’Associazione Kyo in occasione di San Pellegrino in Fiore organizza negli spazi della Kyo Art Gallery la collettiva dal titolo FIORE D’OPERA.

La mostra vede protagonisti: Pilar Aguirre, Luna Amato, Minou Amirsoleimani, Navid Azimi Sajadi, Massimo Antonelli, Primarosa Cesarini Sforza, Mariella Gentili, Marco Lodola, Maddalena Mauri, Tupac Digital Social Pop, Silvia Stucky.

Gli artisti presenti sono tutti noti nel panorama artistico contemporaneo ed esporranno piccoli lavori che verranno venduti ad un prezzo molto più basso del valore di mercato. Scopo dell’esposizione è quello di condurre il grande pubblico, che affollerà le vie di San Pellegrino, verso l’arte contemporanea di qualità.

Minou Amirsoleimani e Navid Azimi Sajadi, entrambi iraniani, presentano dei lavori che si ispirano alla loro terra d’origine. Minou lavora prevalentemente con la cellulosa, acqua, cera e pigmenti naturali che mescolati con la memoria storica persiana e la tradizione occidentale compongono un lavoro con un’immagine intensa ed evocativa.

Pilar Aguirre di origine cilena trasforma elementi della natura in oggetti artistici. Luna Amato offre il suo sguardo nascosto, il suo occhio scomposta da una lacrima nera, la testa coperta da un velo; un Polifemo moderno, un ciclope delicato, ma con una gigantesca forza espressiva.

Massimo Antonelli propone uno delle sue grattugie, attrezzo da cucina che rappresenta per l’artista il mondo contemporaneo, lacerato, squarciato e tagliente.

Marco Lodola è presente con un collage dove la pin-up (personaggio tipico dei suoi lavori) sovrasta maestosa nel quadro. Nel dittico di Maddalena Mauri la figurazione è materia e sostanza dei suoi lavori realizzati con l’antica tecnica della grafite e anilina dove l’immagine emerge dalla sottrazione del colore.

Primarosa Cesarini Sforza espone piccoli collage su carta dove sono presenti tutti gli elementi tipici del suo linguaggio, la casa, la bambina, il ricamo; tracce della sua vita di donna e madre, di viaggiatrice ed artista e di visionaria sognatrice.

Mariella Gentile nei suoi lavori pone delle domande Eva o Biancaneve? Donna o madre? La risposta è data da colori accesi, dai frammenti di foglie d’argento, dai segni di scrittura illeggibile, dalla mela leggendaria, segni di un ricordo antico, segnali ed indicazione di un futuro sconosciuto.

Silvia Stucky presenta un disegno dove l’albero della vita in blu di china colore d’ispirazione di tutti i suoi lavori troneggia all’interno del quadro.

Tupac Digital Social Pop realizza i suoi lavori con la tecnica digitale, mezzo artistico comune nell’arte di oggi, nei suoi lavori i soggetti pongono uno sguardo critico verso la sociètà americana, che l’artista con la sua ironia le trasforma in divertenti cartoon.

Videozoom - Videoartisti del Marocco

2008-04-18T00:11:00.000+02:00

Identità in transito

La Kyo Art Gallery in collaborazione con la Sala 1 di Roma, presenta VIDEOZOOM - Videoartisti del Marocco. La rassegna, a cura di Francesca Gallo e con il sostegno della Fondation Hassan II pour les Marocains Residents à l’Etranger e della Regione Lazio, dopo Roma e Frosinone, raggiungerà la sua terza tappa sabato 19 aprile 2008 a Viterbo.

VIDEOZOOM giunto alla sua settima edizione prosegue l’impegno verso l’arte dei paesi emergenti, rivolgendosi quest’anno al mondo arabo.

Storica “porta” fra l’Africa e l’Europa, il Marocco è attualmente interessato da un rapido processo di modernizzazione a cui non è estranea neppure la comunità marocchina in Italia, la più numerosa nel nostro paese.

Negli anni ’90, assieme alle trasformazioni politiche, il Marocco vede emergere nuovi artisti, che sperimentano una pluralità di linguaggi, contaminati con l’universo della comunicazione mediatica, e che affrontano temi d’attualità come la censura o la passata repressione. Fra questi Mounir Fatmi, uno degli artisti africani di maggior successo internazionale, che riflette sugli stereotipi culturali e sulla negazione dell’auto-rappresentazione; e Brahim Bachiri, che si interroga sull’essere marocchini oggi.

Dal 2000 molti giovani videomaker sono presenti ai festival internazionali, fra questi Mohamed Ezoubeiri, Mourad El Figuigui, e Hassan Boufous che operano in patria e sono originali osservatori di un mondo in trasformazione. Bouchra Khalili, invece, ha scelto il Mediterraneo – frontiera ideale e materiale fra punti di vista e aspettative spesso contrapposte – come tema cardine della propria ricerca, mentre Fatima Mazmouz, si concentra sull’identità di artista e donna. Infine, Videozoom Marocco presenta alcuni degli animatori del Collectif212, fondato da artisti attivi in Marocco, tra i quali Amina Benbouchta e Safaa Erruas, alla loro prima collaborazione video, e Younès Rahmoun, tutti caratterizzati da una ricerca che coniuga forme, materiali e idee della tradizione culturale del Marocco, con i linguaggi dell’arte contemporanea “occidentale” e dei new media.

Dopo Roma, Frosinone e Viterbo la rassegna sarà presentata a Bari, Bologna, Milano, Philadelphia (USA).

Identità in transito

Luna Amato - Ostrea

2008-03-07T21:47:00.002+01:00

INTERVISTA

La Kyo Art Gallery in collaborazione con l’ AC.Danae_Arte_Contemporanea di Carbognano presenta la prima personale di Luna Amato dal titolo Ostrea, la giovane artista siciliana vincitrice del IV Premio Celeste 2007 nella sezione video.

La condizione espressa dalle opere di Luna Amato è tutta esistenziale. Non è facile trovare tanta intensità, tanta forza espressiva in un contesto formale così pulito e lineare come nelle opere di questa giovane artista siciliana. Concetti e riflessioni che non lasciano spazio a fraintendimenti; precisi, taglienti e che si materializzano in lavori fotografici e video belli da guardare e per questo ancora più disarmanti. Questa dicotomia tra l’essere e l’apparire dell’opera è svolta spesso attraverso una sottile ironia, a volte impercettibile, che l’artista usa per manifestare il suo disincanto.
Il lavoro è tutto nella composizione di un’immagine senza orpelli, con pochi elementi altamente simbolici, che riescono caricarsi di un significato solo nello spazio tra autore e fruitore; il video Perle, attorno al quale gravita l’intera mostra che si intintola per l’appunto Ostrea, ne costituisce il paradigma. La stratificazione storica dei significati legati ad ogni singolo elemento dell’opera ed il loro re-impiego attuale attraverso i gesti e la persona dell’artista ne escludono una lettura troppo generica e allo stesso tempo univoca.
I riferimenti alla mitologia, come nella serie Odissea e Narciso, fanno parte del processo di drammatizzazione del lavoro dell’artista, volto a ricercare le cause e i sentimenti contrapposti dell’io. Questo metodo, è uno dei tanti utilizzati da Luna Amato per condurre un’analisi intima e allo stesso tempo assoluta procedendo per concetti. I titoli stessi delle opere assumono un valore tale da poter essere considerati parte integrante e imprescindibile da esse, come succede in Ninnoli e Lacrima.
Nel video Perle, l’inquadratura fissa riprende l’immagine tagliata di una donna che gioca con il filo di perle che ha al collo; il movimento calmo ed ossessivo delle dita preannuncia l’inevitabile. C’è la sensazione di un tempo infinito, di uno stato d’animo vago: giocoso, ansioso, irrequieto. Il gesto continua ineluttabile non più fluente e melodico ma pieno di scatti e dissonanze; si rimane in attesa, e all’improvviso l’immagine esplode, le perle volano via e rimbalzano veloci, saltellano allegre, sfuggenti, incontrollabili.

Tupac Digital Social Pop - U.S.A.Today

2008-02-15T19:00:00.000+01:00

La Kyo Art Gallery ospita nel mese di febbraio Tupac© Digital Social Pop pseudonimo di un artista che non vuole rivelare sua vera identità.

La mostra dal titolo U.S.A TODAY, presenta sette opere che raccontano la società americana attraverso una visione critica su temi comuni quali: l’AIDS, l’obesità, la guerra in Iraq, la sanità pubblica, la solitudine, raccontati con leggerezza, quasi con ironia, ma con un retrogusto malinconico e nostalgico.

Le tre crocifissioni presentate come un trittico rappresentano i due ladroni situati lateralmente e il Cristo posto al centro, non del tradizionale Golgota roccioso, ma stagliato su un cielo azzurro invaso da bianchissime nuvole, la scabra scultoreità del corpo che sta per scomparire viene a confrontarsi nell’immensità del cielo. I cosiddetti ladroni hanno sullo sfondo dei paesaggi contemporanei che ci re-indirizzano la mente verso le inconsapevole colpe dei protagonisti, l’aids e l’obesità. La rappresentazione del dolore e della sofferenza umana entrano nella composizione dei tre quadri con prepotenza, ma lo stile informale ci riporta in una condizione non più drammatica, ma ironica e beffarda.

L’uomo africano è presente in molti suoi lavori ed è proposto come vittima di un sistema sociale che vive di consumismo, e dei grandi mali del mondo.

La seconda serie composta anche questa di tre lavori ha sullo sfondo immagini della metropolitana. In una delle opere da titolo Come back in America il primo piano è dominato da un uomo rannicchiato sul marciapiede della metro, una locandina sullo sfondo invita ad arruolarsi nelle forze armate americane, la tragedia della guerra in Iraq riecheggia silenziosa nell’augusta solitudine di una banchina, il colore rosso dello sfondo ci riporta al tempo ormai perduto e al profondo sentimento di morte.

Tupac© Digital Social Pop, realizza i suoi lavori con la tecnica digitale, mezzo artistico comune nell’arte di oggi, l’opera acquisisce dei valori tradizionalmente pertinenti alla scultura. C’è l’inganno visivo perché la tridimensionalità del soggetto lo fa apparire reale, ma la verosimiglianza degli individui rappresentati sfuggono alla realtà, le immagini ci riportano ad un ambiente fumettistico, ed ironico. E’ l’ironia del saggio che è abituato a vedere le angosce del mondo e non può che rappresentarle con disincantato scherno.

Primarosa Cesarini Sforza - DimensioneAMBIENTE

2007-12-15T22:10:00.000+01:00

La Kyo Art Gallery ospita nel mese di dicembre l’installazione di Primarosa Cesarini Sforza dal titolo “Dimensione ambiente”. La Kyo cambierà ancora una volta il suo aspetto per trasformarsi in materia grezza con la quale l’artista elaborerà la propria opera.
Con “Dimensione ambiente” Primarosa Cesarini Sforza sembra voler esasperare un percorso sempre più caratterizzato, come scrive Mario de Candia, da “quel suo modo di presentare realtà, apparentemente ineffabili e sfuggenti, o forse fuggite per sempre”, decretando sia pure come ipotesi la dissoluzione del confine che carta o tela impongono allo spazio dell’espressione visiva.
Si accentua così la sensazione di un lavoro work in progress, di una continua espansione che pare voler celare ogni aspirazione di definitività dietro la “forma informe” di appunti appoggiati solo per un attimo su un muro, in un movimento che però è solo apparentemente casuale. Libera dalle costrizioni spaziali l’artista ripensa infatti il “suo” spazio; e in questo prende posto un filo di racconto rigorosamente tessuto dalle piccole figure di piombo, dalle case, dai ricami su insignificanti pezzi di tela “tatuaggi d’universi rarefatti e cosmogonie portatili” - come scrive Patrizia Ferri - citazioni di un’iconografia che traccia una vicenda narrativa ed esistenziale onirica e incantata.

Non in vendita

2007-09-20T18:00:00.000+02:00

La Kyo Art Gallery in collaborazione con lo Studio Fontaine presentano: la mostra dal titolo NON IN VENDITA.

Il titolo della mostra volutamente provocatorio vuole porre al suo pubblico la domanda: «Che cosa è l’arte?» E’ difficile trovare una risposta, intorno all’opera d’arte si nuove un’industria culturale così sviluppata che ha snaturato le priorità, allora ci interroghiamo. E’ forse una merce, un oggetto al quale si dà un prezzo, un valore di scambio? Oppure, “un bene semioforo, portatore, grazie alla sua forma materializzata di un segno estetico riconosciuto in uno specifico cosmo e contesto culturale” per dirla come Panofsky? La risposta per alcuni potrebbe non essere semplice, ma è sicuramente Martin Heidegger nel famoso trattato Dell’origine dell’opera d’arte a chiarirci le idee. “La messa-in-opera della verità, questa è l’essenza dell’arte” scrive il filosofo tedesco.

In NON IN VENDITA mettiamo-in-opera sei artisti ciascuno con il proprio linguaggio espressivo, che presenteranno un lavoro pensato e creato appositamente per gli spazi espositivi, opera che avrà la peculiarità di essere fruibile e godibile solo nei momenti dell’esposizione e pertanto la sua specificità sarà quella di non essere in vendita e il suo valore sarà dato dalla piacere di rilevare la sua essenza, la sua ‘verità’, “il divenire manifesto dell’ essente”.

Si Inaugura il 29 settembre con l’americana Michelle Gordon la quale realizzerà una grande Action Painting nella parete della Kyo Art Gallery, durante l’esecuzione il videomaker spagnolo Javier Ideami filmerà l’artista all’opera e ne produrrà un video.

Mario Carbone - Paralleli: India ed Italia negli anni ‘60

2007-08-30T22:34:00.001+02:00

La Kyo Art Gallery presenta Mario Carbone fotografo e regista da sempre alle prese con il mondo delle immagini, prima come fotoreporter, poi come documentarista cinematografico e televisivo. Nella sua lunga carriera non ha mai cessato di fare fotografie.

La mostra fotografica Paralleli: India ed Italia negli anni ’60 ci espone le foto scattate dagli anni Cinquanta ed i primi anni Sessanta, in Italia e in India. Le immagini fotografiche della Sardegna, Calabria e Lucania narrano un'Italia di dolore, miserie chiuse e immutate, e speranze secolari, le foto fermano le memorie di mondi vicini e conosciuti. Parallelamente i mondi più lontani come l'India sono ripresi con scatti colorati dove i paesaggi indiani e le sue genti sono pervasi di una luce magica dove si possono ancora percepire i profumi e le calde atmosfere impregnate di essenze naturali.

Nei quattro documentari che presentiamo alla Kyo Art Gallery (praticamente inediti dopo molti decenni in cui sono rimasti chiusi negli archivi del fotografo) realizzati tra il 1963 e il 1968, con l’esclusione di Omaggio a Carlo Levi prodotto nel 1983, ma con immagini riprese nel 1960 durante il viaggio in Lucania con Carlo Levi nei luoghi del confino. Mario Carbone in questi filmati racconta storie semplici con L’isola più lontana (1963) ci mostra la vita quotidiana della popolazione di Linosa costretta a sopravvivere senz’acqua e luce in un’Italia in pieno boom economico. Firenze, novembre 1966 documenta la tragica alluvione di Firenze con il quale vince il Leone d’oro alla Biennale di Venezia. Con il documentario Alla fine dell’arcobaleno (1968) che dopo quarant’anni mantiene intatto la modernità della regia e la capacità evocativa di mostrare con grande poesia una colonia di malati di poliomielite in una spiaggia del litorale laziale, in sovrapposizione la guerra del Vietnam che in quegli anni si stava combattendo con tanta atrocità. Il confronto ci evidenzia la sofferenza affrontata con grande coraggio dai ragazzi malati e la sofferenza provocata e iniqua della guerra.
Mario Carbone e nato a San Sosti (CS) nel 1924. Dal 1955 vive ed opera a Roma e da qualche anno a Calcata.

Lucia Leuci - The angel of fireplace

2007-04-27T22:42:00.000+02:00

L'Associazione Kyo, ha aperto in occasione della manifestazione stARTrek The Next Generation un nuovo spazio espositivo nel cuore storico del quartiere San Pellegrino di Viterbo la KYO ART GALLERY che con l'artista pugliese Lucia Leuci The Angel of Fireplace inaugura la sua attività espositiva.

Nella serie The Angel of Fireplace la scena si sviluppa all'interno di un'abitazione abbandonata dove una figura con un costume rosso passa di stanza in stanza. Si osservano gli ambienti pieni di oggetti di ogni tipo, il fantasma rosso si confonde con essi se ne appropria e ne diventa parte integrante.

Nell'intervista di Manuela de Leonardis in catalogo la Leuci a proposito di questa serie racconta: E' una -rielaborazione- del romanzo Una stanza tutta per se' di Virginia Woolf. Affronto il tema del ruolo dell'artista nell'arte contemporanea e la sua ricerca di spazi propri.

L'angelo del focolare e' un fantasma che invade quegli spazi impadronendosene. Gira per le stanze vestito di rosso: in questo caso il colore e' simbolico, e' il colore del sangue, del sacrificio fisico e psichico, dell'appropriarsi dei luoghi. Il viso e' coperto da un cono che ricorda il cappello delle fate, in realtà simboleggia una spina che puo' spingersi oltre, squarciando i vuoti che avvolgono gli spazi. Le mura sono realmente quelle della casa che ho acquistato nel centro storico della mia città. Saltellando davanti all'obiettivo, il fantasma si muove di stanza in stanza, tra gli oggetti trovati li': c'e' una scarpa sullo specchio, alcuni televisori, un letto antico, uno scolapasta di alluminio- In un angolo anche un cumulo di vestiti logorati. In questa immagine c'e' un chiaro riferimento alla Venere degli stracci di Michelangelo Pistoletto.

In galleria catalogo stARTrek The Next Generation edito da Gangemi, con l'intervista di Manuela de Leonardis a Lucia Leuci.

StARTrek The Next Generation

2007-03-16T22:54:00.009+01:00

L’Associazione Kyo, dopo la mostra “Viaggio in Italia- identità di dodici artisti contemporanei internazionali” realizzata nel 2005 presso Palazzo Orsini a Bomarzo, continua la ricerca tematica del viaggio con stARTrek The Next Generation.

I giovani d’oggi, viaggiano per il mondo si spostano con i voli low cost conoscono una moltitudine di culture le influenzano, le plagiano, si ispirano ad esse. Il viaggio è il tempo della mobilità che esprime il cambiamento, la metamorfosi, attese di rigenerazione e di mutamento che determinano la formazione della personalità, dei legami sociali e della socialità. E’ la generazione globalizzata ma tifa no global. E’ la generazione dei controsensi, delle operazioni impossibili, dei grandi temi, ma dalle improbabile soluzioni.

Questa mostra vuole far conoscere i linguaggi espressivi del nuovo millennio (videoarte, netart, fotografia, installazioni, architettura) nei suoi aspetti più molteplici e nella complessità dei giovani artisti che con il loro bagaglio culturale viaggiano per il mondo lo assimilano, lo contaminano e riportano tali esperienze nelle loro opere. Gli artisti scelti provengono da tutte le parti del mondo, ma non sono stabili in un Paese, c’è l’italiano che vive a Londra, Monaco e Parigi l’iraniano che vive in Italia, la cinese che lavora e vive tra New York, Parigi e Pechino, l’israeliana che vive a New York, il pakistano che ha studiato in Olanda e vive in America. Il mondo diventa la loro patria senza confini e senza delimitazioni.

Il titolo stARTrek The Next Generation evoca il serial televisivo di culto Star Trek, e contiene in sé la parola Start (inizio), ma anche la parola Trek (viaggio) ed al suo interno la parola ART, il titolo cinematografico richiama anche la scoperta di nuovi mondi di nuove galassie da esplorare e conoscere. Ed è proprio la scoperta di nuovi linguaggi e di nuove sperimentazioni artistiche che questa mostra vuole indagare e far comprendere a tutte le generazioni.

La mostra verrà allestita a Bomarzo presso Palazzo Orsini, splendido esempio di architettura rinascimentale costruito da Vicino Orsini nel 1523 sopra i resti del vecchio castello medievale di cui rimangono visibile le mura di fortificazione. Una piccola sezione sarà esposta a Viterbo presso la Kyo Art Gallery.